Gestos por Shakespear Estudio

El hombre y su entorno deberían reclamar siempre impulsar estímulos
lo suficientemente imaginativos y vehementes para enriquecer el paisaje urbano.
Acompañamos a Trenes Argentinos en la Identificación,
Sistematización de la Imagen de comercios y Señalización de 4 patrimonios de la Nación.

Estaciones Patrimoniales from Shakespear Estudio on Vimeo.




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Un Bondi en el Museo

Grupo Bondi realizará su primera exposición individual en el Museo de Arte Decorativo de Buenos Aires, dependiente del Ministerio de Cultura de la Nación, con la curaduría del artista Edgardo Giménez.

Hielos Argentinos

Por Yamila Garab para ArquiNoticias

Grupo Bondi es un estudio/taller de diseño con base en Buenos Aires dirigido desde el 2008 por Iván López Prystajko y Eugenio Gómez Llambí, ambos diseñadores industriales de FADU-UBA. El grupo se especializa en diseño industrial, sobre todo, en mobiliario urbano como forma de intervención artística en el espacio público. Diseñan y producen rescatando el universo poético de los objetos cotidianos.

Banco Chori

Bondi es una palabra lunfarda para denominar a los transportes públicos urbanos en Argentina. Bondi es la confirmación de que es posible pensar al mundo desde el margen y a la vez ser leído desde el centro como contemporáneo. En términos proyectuales es actualizar la pregunta que le hizo Borges a la literatura: ¿cómo recorrer el centro cultural a partir de la periferia? Hacer del margen una estética, una poética, una forma. Bondi es entender que el siglo XXI es el de la reivindicación de la periferia: conocer nuestras limitaciones es descubrir nuestras posibilidades.

Capitoné Urbano: Banco Buenos Aires

La obra de Grupo Bondi oscila entre lo micro de lo anecdótico y fragmentario, y lo macro de lo místico y lo universal. Bondi trabaja con las texturas de Buenos Aires: desde las cosas de la abuela hasta la arquitectura de Clorindo Testa. Para Bondi, el arte de la sociedad del futuro es aquel que se fusiona con la industria y que se consagra a ella.

Capitoné urbano

Sus obras no son funcionales al consumo superficial e inmediato del diseño. Sus contradicciones generan polémica y es ahí donde radica su riqueza: presentar lo siniestro, la exageración y la mentira como materia artística. La sorpresa es parte estructural de la obra y una estrategia que establece guiños con el espectador, porque quiera o no está obligado a desmontar el artificio de la ilusión y convertirse en cómplice.

Milagroso (mate de calabaza)

A través de esta transgresión de los límites, Bondi socava las certezas absolutas y las instituciones que las sustentan. A su vez, los productos de consumo funcionan como soporte expresivo; en vez de escribir una canción o pintar un cuadro, hacen un mueble. Entonces Grupo Bondi es, por sobre todas las cosas, un gesto poético-político.

Cementoso

La muestra “La vida es dura pero no tanto” título que alude con ironía al artificio y a la ilusión de sus propios diseños, es curada por el gran artista pop Edgardo Giménez. La exposición está dedicada a la memoria del arquitecto y diseñador Ricardo Blanco, fallecido el año pasado, quien fue el gran maestro de Grupo Bondi y los impulsó desde el comienzo de su carrera.

Parrichango

La exhibición ocupará la totalidad de la sala del subsuelo del MNAD. En la sala inicial se hará una introducción con una estética pop publicitaria llevada al extremo, y hacia el final de la sala habrá una instalación casi surrealista realizada con los bancos Capa enfrentados a una cripta original que se ubica en esa sala del Museo, creado una escena pseudo religiosa y ecléctica. 

Banco Capas

Se puede decir que la exposición estará estructurada en tres partes: inicialmente, a modo de introducción publicitaria, se verá una presentación general con todos los diseños; luego, en la segunda sala, de gran dimensión, habrá instalaciones complejas desarrolladas para mostrar cada diseño particular; y en la última sala se verá la escena con la cripta comentada anteriormente. 

Silla Plaka (homenaje a Ricardo Blanco)

LA VIDA ES DURA PERO NO TANTO

Exhibición individual de Grupo Bondi

Curaduría: Edgardo Giménez

Inauguración: viernes 12 de octubre de 2018, 18 hs

Cierre: miércoles 12 de diciembre de 2018, 19 hs

Lugar: Museo Nacional de Arte Decorativo Av. del Libertador 1902, CABA (Entrada libre y gratuita).

Horarios: martes a domingo de 12.30 a 19 hs

Con Ricardo Blanco

GRUPO BONDI

Directores: Iván López Prystajko y Eugenio Gomez Llambí

Ayudante de taller: Juan Cruz Gutauskas, Gonzalo Pugliese

Ayudantes de diseño: Nacho Fabi

Producción general: Irina Kirchuk

Montaje exposición: Leonel Bajo Moreno

Iluminación: HUUP Iluminación

Textos: Luciana Barruffaldi, Oriana Seccia, Martina Alfuso, Martín Churba, Pablo Bianchi y Eugenio

Gómez Llambí

Fotografía de Catálogo: @Dagurke

Diseño Gráfico: Fabián Carrere

Comunicación: Gabriela López

Joyas con mensaje

La arquitecta Laura Leyt, socia del estudio Arquitectónika, cultiva desde hace años otra faceta creativa: el diseño de joyas, disciplina con que acaba de ser premiada en la II Bienal Latinoamericana de Joyería Contemporánea que se lleva a cabo en Buenos Aires.

Anillos de plástico reciclado

Por Yamila Garab para ArquiNoticias


El collar "Relicario", hecho de plástico reciclado por la arquitecta y diseñadora de joyas Laura Leyt, obtuvo el Premio Joya Argentina en la II Bienal Latinoamericana de Joyería Contemporánea. Se lo puede ver, junto con todos los trabajos premiados, en el Museo de Arte Popular José Hernández, Av. Libertador 2373, desde el 14 de este mes y hasta el 4 de noviembre.

Relicario 
(Premio Joya Argentina en la II Bienal Latinoamericana de Joyería Contemporánea)

Piedras

Laura Leyt define a la joyería contemporánea como una “combinación de joyería propiamente dicha, arte y diseño”. Explica que, a diferencia de la joyería tradicional, esta disciplina se define por su lenguaje o su mensaje más que por los materiales utilizados, ya sean metales o piedras. “Lo más relevante es lo que se quiere comunicar”, explica. Además, su trabajo guarda un gran compromiso con la sustentabilidad y el medio ambiente.

Constelaciones

Arquitecta en plena actividad con el estudio Arquitectónika, del que es socia, Leyt empezó hace 15 años a estudiar joyería contemporánea en el taller La Nave con el maestro Jorge Castañón. “Fue por una necesidad de cambiar de escala”, cuenta, y agrega que de la arquitectura rescata la “capacidad de abstracción que otorga para previsualizar el producto terminado”.

La casa de las dagas voladoras

Pops Rings

Realizó también talleres y workshops con Ramón Puig Cuyás, Charon Kransen y con Nelli Tanner en el marco del simposio “En Construcción I”, que tuvo lugar en el Museo de Arquitectura y Diseño de la Sociedad Central de Arquitectos (MARQ), donde también me he desempeñó como curadora.
Paralelamente, se interesó por los textiles, en espacial por el fieltro, y cursó talleres con Julia Rossi, Laura Martínez en el INTI y Andrea Cavagnaro.

Argollas

Trozo de roca

Leyt incursionó también en la fotografía y el diseño y la realización escenográfica. Profundizó la técnica del fieltro en los workshops dictados por la artista alemana Dagmar Binder y la japonesa Rutsuko Sakata. Y este año aprendió en Antioquia, Colombia, el oficio de barequero, técnica de extracción de metales preciosos en el lecho de los ríos. 

Neckla

Sobre el muro

Amuleto 

Paisaje desde el espacio

Collar corto

Sobre el muro 

Memoria-Tiempo 

Collar corto

Video:

Laboratorio de ideas sustentables

Se lanzó ayer la plataforma Domus Lab, que promueve la innovación en materia de sustentabilidad. Como primer acción y lanzó un concurso para diseñadores y arquitectos. Los premios se entregarán en octubre, durante la Semana del Diseño.

Por Yamila Garab para ArquiNoticias

El martes 28 de agosto quedó lanzada formalmente la plataforma Domus Lab, dedicada a la arquitectura y el diseño sustentable, durante un acto realizado en el Museo de Arquitectura y Diseño (Marq), en el que se anunciaron también sus dos primeras acciones concretas: el Premio Domus Lab al diseño para el hábitat sustentable y el evento Domus Lab Experience. Su mentora, la arquitecta Victoria Baeza, explicó a un público de arquitectos, diseñadores, empresarios y funcionarios que el objetivo de esta plataforma es “despertar conciencia en la producción de un hábitat sostenible con el objetivo de crear impacto distintas acciones positivo en las diferentes ciudades”.

Durante el acto de lanzamiento, Baeza destacó que Domus Lab se dedicará a proponer acciones tendientes a “despertar conciencia y acompañar a las empresas, diseñadores, arquitectos e instituciones hacia un futuro sostenible”. Aseguró que existe en el mundo una tendencia a la “concentración de la población en grandes urbes”, y que para el próximo medio siglo se presentará el “desafío urgente de dar soluciones en materia de hábitat a una población urbana que superará los 3.000 millones de habitantes.

La arquitecta destacó que desde Domus Lab se contribuirá a esta problemática a través de la investigación, vinculación, promoción y gestión. “Aspiramos  a consolidarnos como un espacio de generación de ideas y acciones innovadoras, capaz de elaborar y promocionar proyectos y activar soluciones que promuevan un cambio profundo en las problemáticas urbano-habitacionales. Creemos que para lograr un cambio de paradigma hay que cambiar la forma de hacer vivienda y hacer ciudad”, explicó en el salón de actos del Marq.

En concreto, Domus Lab consistirá en una red, laboratorio de ideas, incubadora, impulsora y aceleradora de proyectos y negocios con valor económico, social y ambiental. Las áreas de trabajo e investigación fueron definidas como Tech, Smart, Green, Trends, Think y Building, mientras que las modalidades de trabajo en la plataforma consistirán en experiencias, networking, conferencias, coworking y workshops. Además, se implementará el Domus Lab itinerante, una modalidad de exhibición que circulará a lo largo del año por distintas ciudades, ferias y exposiciones montada en los módulos expositivos “Pastillas Domus Lab”.

Durante el acto se lanzó también el Premio Domus Lab a la Innovación en el Hábitat Sostenible, destinado a propuestas, ideas, diseños, proyectos y acciones desarrolladas en nuestro país por profesionales, equipos de investigación, estudiantes o empresas en las áreas de sustentabilidad, diseño o conciencia social aplicable a la vivienda. “Creemos que para lograr un cambio de paradigma hay que cambiar la forma de hacer vivienda y hacer ciudad”, explicó Baeza. 

El concurso, de carácter multidisciplinar, tanto para arquitectos como diseñadores, alienta la presentación de ideas, diseños, desarrollos y acciones innovadoras en relación al hábitat sostenible que se estén gestando en nuestro país y que promuevan un cambio de cualquier escala en las problemáticas habitacionales. "Se preferirán proyectos que tengan propuestas innovadoras sobre las áreas de sustentabilidad, diseño y conciencia social aplicadas a la vivienda", aclaró Baeza. 

Sus jurados, presentes en el lanzamiento, serán Julio Oropel, presidente de Diseñadores de Interiores Argentinos Asociados (DArA); la diseñadora industrial Analía Cervini, directora operativa del Centro Metropolitano de Diseño; Charly Karamanian, director de Emprendedores del Ministerio de Producción de la provincia de Buenos Aires; Valeria del Puerto, vicepresidenta primera del Consejo Profesional de Arquitectura y Urbanismo (CPAU) y Carolina Day, titular de la comisión de Concursos de la Sociedad Central de Arquitectos (SCA), además de la mentora de la iniciativa.

Jurado del Premio Domus Lab: Karamanian, Oropel, Cervini, Baeza, Del Puerto y Day.

Los ganadores del certamen serán anunciados en octubre, en coincidencia con la Semana del Diseño en la Fundación Proa. Esa misma semana se llevará a cabo también, en Costa Salguero, el evento Domus Lab Experience, que consistirá en cuatro días de experiencias de investigación, desarrollo e innovación (I+D+i). “Buscamos promover, crear y fortalecer espacios de diálogo y debate, desarrollar y capacitar a los distintos actores del sector”, concluyó Baeza.

Armario espiralado y áureo

Un aparador inspirado en la famosa Espiral de Fibonacci o Espiral Aurea, para amantes del minimalismo y los misterios de la geometría.

Por Yamila Garab para ArquiDiseño

El aparador Fibonacci es un mueble que ofrece espacios de guardado con un diseño moderno y minimalista, basado en la figura geométrica conocida como Espiral de Fibonacci, también llamada Espiral Aurea. Su autor, Riccardo Nobilini, lo define como una “solución de almacenamiento con estilo”, orientado a usuarios que suelen vivir en departamentos cada vez más pequeños pero con un valor agregado de diseño y un orden bien cuidado.

Pero lo notable de este mueble es que su diseño está inspirado en la Espiral de Fibonacci, ya que presenta una serie de compartimentos cada vez más grandes ordenados dispuestos en forma espiralada. Esta figura es, a su vez, la versión gráfica de la Scuencia de Fibonacci o Secuencia Aurea.  

En matemática, se conoce como Secuencia de Fibonacci a la sucesión infinita de números naturales que comienza con los números 0 y 1,​ y se caracteriza porque cada uno de los números que siguen es la suma de los dos anteriores: 0,1,1,2,3,5,8,13,21,34,55. Según la leyenda, su autor la ideó para resolver un problema matemático relacionado con la cría y reproducción de conejos.

La Espiral de Fibonacci, a su vez, se genera dibujando arcos circulares conectando las esquinas opuestas de los cuadrados ajustados a los valores de la sucesión;​ adosando sucesivamente cuadrados de lado 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21 y 34.

A los elementos de esta sucesión se les llama números de Fibonacci. Fue descubierta por matemático italiano Leonardo de Pisa (1170-1240), oriundo de esa ciudad, que utilizaba el seudónimo de Fibonacci aunque el apellido de su familia era Bonaccio.

La composición inspirada en la célebre espiral hace que el aspecto del aparador genere una sensación de intriga visual y un impulso a descubrir su lógica de su composición. Un vacío sugestivo en el centro indica el origen de la espiral. Está hecha íntegramente en madera, y hay versiones en una gran cantidad de colores llamativos.

Palpitando los 100 años de la Bauhaus

A través de objetos originales, fotografías y documentos, la muestra El mundo entero es una Bauhaus, en el Museo de Arte Decorativo, cuenta el nacimiento, la vida y el legado de este centro de enseñanza que se convirtió en un movimiento artístico.

Jóvenes estudiantes de la Bauhaus en Dessau (1931).

Por Yamila Garab para ArquiNoticias

En abril de 2019 se conmemorarán 100 años del nacimiento en Alemania de la Bauhaus, institución que llegó a convertirse en un símbolo del diseño moderno: un aura que conserva incluso hasta hoy. A pesar de su corta trayectoria (1919-1933), encima repartida entre tres sedes (Weimar, Dessau y Berlín), la Bauhaus encarna el espíritu de la modernidad y la voluntad disruptiva de las primeras décadas del siglo XX. Una época de riqueza creativa inusual que se extendió hasta la crisis mundial de 1930 y el advenimiento de los regímenes totalitarios en Alemania y otros países de Europa. Esta historia se recrea por estos días en la muestra El mundo entero es una Bauhaus, que se exhibe en el Museo Nacional de Arte Decorativo. Luego partirá hacia la ciudad de México y Karlsruhe, Alemania, para continuar su gira por otras ciudades a confirmar durante 2019.

                              Bauhaus Dessau, folleto promocional de la revista (1927)

Ejercicio para las clases dictadas por Paul Klee (1923/24)

Fundada por el arquitecto y diseñador Walter Gropius, durante su breve existencia la Bauhaus abordó la humanización de una sociedad sometida a un proceso de industrialización vertiginosa. Entre sus profesores hubo artistas cuyas obras son referentes obligados de la modernidad: creadores que, al emigrar como consecuencia de la persecución política padecida bajo el nazismo, llevaron el legado de la escuela a los países donde se radicaron. 

                                         Edificio de la Bauhaus en Dessau (1927)

La exposición está organizada en ocho secciones o áreas temáticas. En la sección Obra de arte total la atención se centra en la síntesis de todas las artes y en la fusión que se llevó a cabo entre éstas y la ciencia.  

         Kurt Schmidt: Construcción para fuegos artificiales (1923) 

Otto Lindig, plato (1922/23)

En otra sección, El hombre nuevo, el hincapié está puesto en las concepciones innovadoras para la época que tendían, desde la esfera estética, a producir una transformación de las condiciones concretas de la vida social. 

Revista de diseño editada por la Bauhaus (1928)

Otra sección, Arte, artesanía y técnica, ofrece una mirada más concreta sobre la producción de objetos de diseño: utensilios cotidianos, mobiliario, escenografías y otros.

Juego de ajedrez (1924)

Original de la primer carpeta editada por la Bauhaus (1921)

Bajo el nombre Experimentación, en tanto, se presentan piezas creadas a partir del estudio minucioso de las dimensiones y proporciones. Esta sección está orientada a las exploraciones sobre los límites del material y las posibilidades de reproducción en serie de las obras.

Marianne Brandt: Cenicero (1924)

En la sección Pedagogía radical, a su vez, se muestran la estructura y la dinámica de la enseñanza de la escuela, plasmadas en el célebre diagrama circular del cual se desconoce la autoría.

Plan de estudios (1919/23)

Cabe destacar que en toda la muestra abundan diseños originales y fotos de artistas y diseñadores consagrados que pertenecieron a la Bauhaus o tuvieron algún tipo de relación con ella, como Paul Klee, Marcel Breuer y otros.

Marcel Breuer: Silla B5 (1926)

También la vida cotidiana y las legendarias fiestas de la Bauhaus, reflejo del espíritu transgresor de esa época, se abordan en la sección Comunidad.

“¡Estudien en la Bauhaus!” (1928)

Otto Umbehr: Pantuflas (1926)

Por último, La suspensión en el espacio es una sección que invita a conocer las preocupaciones de los miembros de la Bauhaus en torno a temas como la ingravidez y la liviandad de los objetos. 

Ludwig Mies van der Rohe, Silla MR 534 (1932)

Muestra: El mundo entero es una Bauhaus

Lugar: Museo Nacional de Arte Decorativo.

Cuándo: Hasta el 12 de agosto

Organizan: Instituto Goethe, Embajada de República Federal de Alemania, Ministerio de Cultura de la Nación, Servicio Alemán de Intercambio Académico e Instituto para las Relaciones Culturales Internacionales de Alemania (ifa).

Curador: Boris Friedewald.

Diseño del espacio: Ilke Penzlien. 

Fotos: Gentileza ifa

Walter Gropius (Berlín, 1883 - Boston, 1969)